2．一般没有剧本，能完全控制创作各个环节，没有叙事结构（剪辑打破连贯，流畅）。狂乱，快速的剪辑风格。时空关系是主观的，心理的。

3．尝试许多表现主义方法。视觉上有浓缩，省略的方法。

4．很少使用同期声。

5．叙事电影是模仿现实，纪录电影是剖析现实。实验电影就是在创造，臆测主观形式。强调内在冲动和情感表达。

6．前卫，超前思想。

简述

早年参与前述艺术运动的艺术家绝大多数也涉足主流商业影片和进入娱乐业,而像 Curtis Harrington这样的艺术家却是例外.

起先他们中的少数人间而受邀请为有兴趣的学生上上课, 但后来这种情况从1966开始有了一些变化, 他们中很多人逐渐就职于 State Universities of New York, Bard College, California Institute of the Arts, the Massachusetts College of Art, University of Colorado at Boulder, 和 San Francisco Art Institute, 并成为了大学教授.

很多这些实验电影的先驱们尽管没有大学文凭, 但他们的作品和表现为其赢得了人们足够的敬重.

尽管对这种制作于大学院校的实验电影有不少质疑,但象Stan Brakhage, Ken Jacobs, Ernie Gehr 这些长期在大学任教的电影人, 不但没有受限于学院日常的教授工作, 而且还是一如既往地完善锤炼自己的作品并扩展自己创作实践的领域.

年轻一代的身兼大学教授和电影人双重身分的艺术家也更好地保留了传统并发扬了这一优势,他们的学生则更是对这种双重身份如鱼得水.

而大众能有更多机会接触和了解实验电影与这种将实验电影引入大学的电影和电影史课程的做法有很大的关系.

重要展演渠道

1947-1963年美国最主要的实验电影展出和发行机构是纽约的电影社团 Cinema 16 . Cinema 16 由Amos Vogel 和 Marcia Vogel夫妇创建和领导, 作为一个非赢利的会员制电影社团将记录片, 先锋电影, 科技片, 教育片和表演纪录片展演介绍给 当时日益增长的观众.

到了1962 Jonas Mekas 和另外大约 20 位志同道合的电影人也在纽约创立了 The Film-Makers' Cooperative .很快类似的电影社团也在别的地方如雨后春笋般出现: 旧金山的 Canyon Cinema, London Film-Maker's Co-op和Canadian Filmmakers Distribution Center. 他们也都沿袭了Cinema 16的模式-- 当时的情况是实验电影大部分还是在商业院线以外的一些小的电影俱乐部, 小剧场, 美术馆,艺术画廊,资料馆和电影节上放映.

一些在欧洲和北美的其他组织也对推动实验电影的发展功不可没, 包括Anthology Film Archives, The Millennium Film Workshop, 伦敦的 the British Film Institute , the National Film Board of Canada 和 the Collective for Living Cinema 就是其中的代表.

而 The New York Underground Film Festival, Chicago Underground Film Festival, the LA Freewaves Experimental Media Arts Festival, MIX NYC,多伦多美术片的颠覆和挑战是否也有最基本的关联.

一些机构和组织像 纽约的Anthology Film Archives,旧金山的 Cinémathèque, 加州伯克利的Pacific Film Archive和巴黎的Centre Pompidou 还保存了不少有历史意义和有深远影响的近代和现代实验电影精品. the Robert Beck Memorial Cinema, Ocularis 和 the Collective for Living Cinema 这些剧院也经常放映一些在纽约已经下线的实验艺术作品.

不过最近 Pacific Film Archive 取消了他们 周二晚上的实验电影节目. 似乎实验电影正处于一个相对的低潮. 2001年惠特尼美国艺术博物馆新的策展人(2000年始任)在一个与Charlie Rose 的访谈中就说 , 因为实验电影作品本质上几乎没有什么商业价值,所以他以为让公众了解实验电影是像the Anthology Film Archives 这样的机构责任,而惠特尼美术馆也没有收藏录像艺术和电影的计划. 他更进一步暗示在接下来的双年展中可能也不会包含这样的展演单元. (PBS/Charlie Rose).

英文wiki上这段文字显然跟不上形势, 举的例子是在2001年的情况,而现在是2008年, 下面是译者了解到的情况

2008年3月世界上最有影响力也是最富有的艺术博物馆之一的 Getty 博物馆为上世纪60年代至今的加州录像艺术精品

举办了有史以来最大的展览。 包括15位艺术家，作品填塞了几乎整个巨大的展厅。getty的宣传手册铺天盖地， 人手一份。

就在此时纽约惠特尼博物馆正在做的双年展，实验影像部分也是有史以来最为庞大齐全的一次。(请对比上段英文文字, 同样是惠特尼艺术博物馆, 2008年的情况显然与2001的情况截然不同)

展厅中一些实验影像的作品被集成在一些装置作品中， 而其中大量的最具实验性的作品则在展览中现场放映给观众。

几乎所有的soho和CHELASE的画廊都会有录像作品在展出

这种实验影像火热的情况不单出现在美国的这2家博物馆，在欧洲， 像伦敦，巴黎，伯林这些艺术之都更甚。

与此呼应的是事实上所有的大的国际电影节也已经将实验影像艺术越来越多地包含进来。

毫无疑问实验影像艺术已经是现代艺术世界中绝不可忽视的一个及其重要的艺术类别。

我们也看到随着在泰国， 韩国和香港举办的越来越多的实验电影艺术节，一批接着一批地投身于这个领域的年轻人

正将他们的聪明才智， 他们的创造性展现给大众， 吸引大家，赢得人们的赞誉。

如今16毫米的实验电影胶片拷贝可以通过巴黎的Light Cone , 旧金山的Canyon Cinema ,Canadian Filmmaker's Distribution Centre,纽约的 The Film-Makers' Cooperative 和伦敦的 Lux 这些发行机构向人们提供 .

尽管实验电影 还是一直仅为一些先锋艺术家，学院的研究学习者和业内人员所知,但它的理念对现今电影摄影,视觉特效和剪辑的影响却如几十年前对主流文化的冲击和颠覆同样深远 。

很多实验电影的技巧就为一些商业的音乐录影所借鉴和采用。

影视片头设计和电视广告制作更是深受实验电影的影响。

许多实验电影艺术家同样也制作拍摄普通的剧情片， 反之拍摄剧情片的导演也时有尝试实验电影。

比较出名的例子有 Kathryn Bigelow，Curtis Harrington， Peter Greenaway， Derek Jarman， Jean Cocteau， Isaac Julien，Sally Potter， David Lynch，Gus Van Sant 和 Luis Buñ uel。他们的实验电影中表现的审美情趣与他们在主流商业制作的剧情片中呈现的相去甚远的.这不禁让人深思实验电影所一直坚持的对主流文化的不妥协立场的影响。

20世纪20年代的欧洲， 电影作为一种艺术媒介日渐成熟，随着知识分子对大众娱乐的抵触情绪的日渐弱化，以及在视觉艺术领域中先锋艺术家的大力倡导， 实验电影应运而生。.达达主义和超现实主义的艺术家也纷纷开始借助实验电影一展身手。

René Clair拍摄的Entr'acte就是当时一部让人们发现除了那些疯癫的大众喜剧片以外也有莫测情节的艺术电影。像 Hans Richter, Jean Cocteau,，Marcel Duchamp， Germaine Dulac 和 Viking Eggeling当时也拍摄了不少经典的达达和超现实主义的短片。

这个时期最有名的实验电影一般认为是Luis Buñuel 和 Salvador Dalí's 合作完成的 Un chien andalou. 而更抽象的欧洲先锋电影的代表则是Hans Richter的动画短片和 Len Lye的 G.P.O 影片。

当时在法国的一些电影人也通过财政上的资助和通过在电影俱乐部来发行和放映他们的片子， 尽管这些电影还是偏重于情节叙事，而并不是严格意义上的先锋派的学院电影。电影研究学者 David Bordwell 称这些电影人为 French Impressionists （法国印象主义电影）包括 Abel Gance，Jean Epstein， Marcel L'Herbier 和 Dimitri Kirsanoff. 在这些电影中 包含了对情节叙事的实验探索 ， 律动跳越的剪辑风格和镜头的摇移， 以及对角色自身主观性的强调 ， 这些也构成了这类片子的特征。

1950年以 Isidore Isou先锋艺术运动在法国的兴起。

这项运动的发展以针对Charlie Chaplin （卓别林）的批评的不同态度而走向分裂 。其中的Ultra-Lettrists （超字母派）

显然更加激进， 他们宣扬电影已死 ， 把（超级书写）（hypergraphical）的拍摄技巧展示给大众。 这其中最为瞩目的作品就是Guy Debord 拍摄于1952年的。

与此同时，苏联的电影艺术家们也 在现代绘画和摄影艺术之外展现了 他们独特的蒙太奇理念。

像 Dziga Vertov，Sergei Eisenstein,，Lev Kuleshov， Alexander Dovzhenko 和 Vsevolod Pudovkin这样的电影就向我们展示了全然不同于1910-20年代的好莱坞主流电影的拍摄模式和风格， 所以尽管他们不是实验电影， 但也对丰富实验电影的语言和促进实验电影的发展传播做出了贡献。

The U.S. had some avant-garde filmmakers before World War II, but much pre-war experimental film culture consisted of artists working in isolation.

早在第二次世界大战前美国就出现了一些先锋电影人，但当时的情况是这些艺术家彼此做着自己的电影，对美国来说并没有形成一个整体和可以概括的实验电影文化及其团体。在 Rochester和 New York ,James Sibley Watson 和 Melville Webber一同执导了 The Fall of the House of Usher (1928) 和 Lot in Sodom (1933). Harry Smith, Mary Ellen Bute, 艺术家 Joseph Cornell, 和画家 Emlen Etting (1905–1993) 在19世纪30年代就制作了不少早期的实验电影杰作。而Christopher Young 也拍摄了一些明显受欧洲影响的实验电影。

1946年 ， Frank Stauffacher开始为旧金山艺术博物馆(the San Francisco Museum of Art )制作了几部名为 “电影中的艺术”的系列电影。（旧金山现代艺术博物馆(the San Francisco Museum of Modern Art)还有很多极有意味的实验电影在放映展出）

而由 Maya Deren 和 Alexander Hammid 于1943年执导的Meshes of the Afternoon 被认为是第一部有重要影响的美国实验电影。

它独立制作发行的模式也为后来的实验电影所沿袭， 而且也很快被 Cinema 16和一些类似的其他电影社团所采用。

不仅如此，这部影片同时也确立了一种实验电影所能达到的美学典范。

这部电影的梦幻般的感觉溶绘了 Jean Cocteau 和一些超现实主义的色彩，同时又具有个人，新鲜和典型美国化的特征。

类似的还有Kenneth Anger, Stan Brakhage, Shirley Clarke, Gregory Markopoulos, Willard Maas, Marie Menken, Curtis Harrington and Sidney Peterson这些艺术家拍摄的早期作品。

引人注目的是， 很多这些电影人都是洛杉矶Los Angles和纽约New York的一些有先锋艺术传统的大学开设的电影课程班的第一批学员。

当时在(黑山学院)Black Mountain College (现在已不存在) 和 San Francisco Art Institute(旧金山艺术学院)就开设了“非主流电影课程” 。在Black Mountain College任教的Arthur Penn 提出一般大众包括好莱坞和一些艺术家以为商业电影和先锋电影互相排斥甚至是水火不容的观点是完全错误的。一个有力的支持他的观点的例子是 Nicholas Ray 和 King Vidor在他们各自离开好莱坞后的创作后期也拍摄创作先锋电影作品。

主要参考文章 ：《 结构电影》

电影社团和个人制作的模式在接下来的将近20年时间里一直发展。 到60年代初，一些美国的先锋电影人带来的一种新的理念，让人们日益关注。

接下来的情况正如 P. Adams Sitney描述的， 像 Stan Brakhage和一些美国实验电影艺术家们早期的的作品 着重的是作者的个人意识 ，如同文学作品中的第一人称的叙述一样， 将笔换成了镜头， 将纸换成了胶片。

而这时的 Brakhage 的 Dog Star Man则有所不同 ，这部作品不但从个人的自省转向更加抽象的观念，而且也明显带有抵制当时美国大众文化的倾向。

另一方面， Kenneth Anger 则在 Scorpio Rising 加入了摇滚乐（后来这被看作预见mtv之作），作品对当时好莱坞的经典影片也是极尽挖苦，嘲弄之能事。

Smith 和 Andy Warhol 两位更是在他们的作品中将这种对艳俗的挖苦和夸张模仿发扬光大, 这也是Sitney 说的 Warhol 和解结构电影的关系证据之一。

还有一些先锋电影艺术家更将传统电影的叙事框架抛离得越来越远。

尽管新时期美国电影还是更多的倾向于保留传统的叙事框架 但一些像Hollis Frampton and Michael Snow 这样电影人还是将上述抽象理念， 极简主义 ，对大众审美戏弄的尝试和解构唯物主义溶入自己的作品从而创造了一种后来被称作高度格式化的电影的概念 -- 对记录媒体本身进行再创作然后重新展示出来， 这包括对胶片， 投影效果， 还有最重要的--时间的再加工。

熟悉并习惯于好莱坞生产线上提供的那种梦幻电影的人们看到这种和自己审美趣味孑然相反而且还让人一时摸不着头脑的电影时自然对这种把电影解构成一堆单个元素的”胡乱“拼贴有不少争论。 尽管像Frampton后期的作品因为 Edward Weston, Paul Strand 和他人参与摄影的关系而简直可以说是一场迷幻的圣典了。

60年代末 P. Adams Sitney 发表于 Film Culture杂志上的一篇文章才使得结构电影的概念和与此相关的众多电影人为人们所知。随后逐渐地众多的电影人也开始拍摄更加”学院风格“的 ”结构电影“。

与上面的Sitney文章积极鼓吹不同， 一篇登载于第2000期的Art In America.的针对结构主义的评论就把这种为结构而结构的电影风格批评为保守和形式大于内容。

70年代发展的观念艺术给实验电影带来更近一步的冲击。 Robert Smithson , 一位主要活动于加洲的艺术家拍摄的不少影片就主要是记录了他本人制作的大地艺术及其相关的作品。

大约就在这个时期新一代的年轻艺术家开始纷纷涉足这个领域，而他们中的很多人都曾是早前的先锋艺术家的学生 。

Leslie Thornton, Peggy Ahwesh和 Su Friedrich这样出色的艺术家通过自己的创做进一步拓展了构造主义艺术的表现内容同时不失其个人标志性的特色。

Laura Mulvey 的写作和拍摄的电影作品极大地推动了当时女性电影的发展,，以她的作品为标志女性电影开始呈现出蓬勃发展的景象.这些女性电影反映了当时常见的好莱坞电影中加强的男性对女性的俯视视角及男女不平等的性别规范对女性的侵害。

对这种矛盾和不平等的现象的反击和抵制是这些女性

电影的一大特征：

Chantal Akerman 和 Sally Potter 就是70年代其中最著名的2位女性电影艺术家。

Video art 在这时也作为一种新兴媒体出现在艺术创作的视野中，女性艺术家 Martha Rosler 和 Cecelia Condit 就 充分发挥了和展示了其优点和特色做出了出色的作品。

80年代， 女性主义，同性恋和一些政治题材的实验作品相继出现并引起人们的关注.。其中象

Barbara Hammer,，Su Friedrich,，Tracey Moffatt， Sadie Benning，Moira Sullivan 和 Isaac Julien 这样的电影人就通过自己的实验作品来寻求各自特异身份和政治

主张的大众认同。

List of film formats

Microcinema

New media art

Performance art

Underground film

Video art

Unseen Cinema: Early American Avant Garde Film 1894-1941

Avant-Garde: Experimental Cinema of the 1920s and 1930s

主要评论参考

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Scott MacDonald, Avant-Garde Film: Motion Studies (Cambridge: Cambridge University Press, 1993).

James Peterson, Dreams of Chaos, Visions of Order: Understanding the American Avant-Garde Cinema (Detroit: Wayne State University Press, 1994).

Sargeant, Naked Lens: Beat Cinema (Creation, 1997).

P. Adams Sitney, Visionary Film: The American Avant-Garde, (New York: Oxford University Press, 1974).

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Stan Brakhage. Film at Wit's End - Essays on American Independent Filmmakers. (Edinburgh, Polygon. 1989)

Stan Brakhage. Essential Brakhage - Selected Writings on Filmmaking. (New York, McPherson. 2001)

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