上例，最好不要直接涂绿色，最好分成黄色和蓝色再上色。用色的范围要尽可能大。如上例，一般人都知道绿和蓝属于同一色系，而黄和白在光的表现上也是不可或缺的。

这么想来，往昔那种叶子是绿色的，泥土是茶色，太阳是红色......多么单调又缺乏创意，希望各位从直接观察自然开始，再超越既有巢臼，就可以很自然地画出理想中的画了。

变形：必须以正确的技术将“写实图”延伸，再自由发挥，单凭感觉来画，往往无法跳出固定画法和模仿的范围。

单纯化：卡通的，有喜感的。

笔法：浓淡、强弱、笔触的大小，参考水墨画及日本画的技法，并用画笔来写字以练习绘画的节奏感，是很不错的方式。

层次：前景+中景+背景的灵活运用，可调整它们之间的横向位移、距离或加碱等等。

塑造立体空间的真实感，所谓的逼真，并不是只把眼睛看到的景色画的和照片一样，而是添加立体的空间感。

所谓的素描，就是洞察景象，感受结构、内在，产生立体感。

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现今资讯超载，人们往往处于被动地位，来吸收现成的新知。

可以随心所欲地作画，真是一大乐事，而作品受到大众的喜爱与接受，也令人雀跃不已。所以我们往往想画一些容易理解、令人愉快、甚至能使人产生惊喜共鸣，而有所领会的画。

一张画质素的好坏，其原因来自提笔画图之前，如果连日常生活中看起来不起眼的小事物，都能诚实地去揣摩，那么不论是谁都能画得很好，小朋友们凭着自己的理解，可以轻松愉快地画画，但随着知识增长却画不好了。这是为什么呢？那是因为没有将广泛的知识运用在绘画上之故。

我们以单纯的心，用新奇的眼光和心情，希望能够重新唤起孩童时期的对事物都像第一次的新鲜感。若是抱持这种观念，原本麻木习以为常的事情，一定能伴随惊喜与感动，得到全新的理解和体会。

假若素朴的感受性与诚挚的心是一种天性，那么再加上一些努力，应该就能画出一幅好画。而所谓的努力，相信是每个人都能办到的，那就是包含基本理解力的基础技术，及其应用。

一般来说，概念性的归纳出的知识对于创作是有害的，因为这些所谓的常识，会使你对事物的理解流于习惯性，趋于统一标准，受到局限，生动的灵感就此绝缘。但它在技术表现等方面，却又无法否定的地位。

例如自然界中微不足道的小石头，一草一木，街道等，俯拾这些微妙的感触，以至呈现出的新鲜美妙的影像，就有了无限可能。

说绘画的具体技术就是单纯化的技术，一点也不为过，以单纯化的方式下笔，这就是写生，尤其一些职业画家，似乎不经意间把作品完成了，不拘泥于任何方法，其实他们仍然是靠着自觉意识，才能完成一幅画。

平时多写生、临摹，式练自己的理解力。

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树木之美：浓淡差别，营造安静和沉稳的感觉，轻快敏锐，富节奏感的线条和笔触，以及明快的光与影。枝叶具有重叠性和伸展性，表达他们的真实感时，抓住树干、枝，及最显眼的重叠部分。

越是复杂的形体，明、暗、辉亮、反射等就越扮演重要的角色。

把各要点分清主次，不必一一画出不重要的细节。

岩石：把握构造