更新时间：2024-06-17 20:22
舞台服装（costume of theatre ）是演员在演出中穿用的服装。它是塑造角色外部形象，体现演出风格的重要手段之一。舞台服装源于生活服装，但又别于生活服装。它和化妆是演出活动中最早出现的造型因素。舞台服装设计的原意是指“针对一个特定的目标，在计划的过程中求得一种问题的解决和策略，进而满足人们的某种需求”。舞台服装色彩虽然要以色彩学的基本原理为基础，然而，它毕竟不是纯粹的造型艺术作品，舞台服装色彩与美术作品的色彩也有明显的区别，舞台服装色彩有其特殊性。
舞台服装一般分人物服装（戏剧人物服装，包括话剧、歌剧、舞剧，戏曲、戏剧小品、拉场戏、独角戏中的人物服装）、演员服装（音乐、舞蹈、杂技、魔术、曲艺等演员服装）两大类。
在古希腊戏剧家埃斯库罗斯剧作的演出中，演员身穿各色带有花饰的长袖袍子，头戴面具，蹬高底靴，以夸大演员的身材，使观众在远距离内能清楚辨认。到了索福克勒斯和欧里庇得斯时代，剧中人则以有悲剧色彩的黑色服装为主，已与当时的爱奥尼族样式相接近。古希腊喜剧服装则更为夸张，到米南德为代表的后期希腊喜剧服装向生活服装靠近。
欧洲中世纪的宗教剧中，由僧侣兼任的演员，就以平时僧袍为演出服。中世纪后期，各大行会资助演出工作，因而炫耀财富，攀比气质，演员们服饰华丽，幻想式与象征性舞台服装争相出现。
文艺复兴时期，在历史剧的演出中，角色服装除首饰及手用小道具有所变换外，与日常生活服装距离很小，如莎士比亚剧作的演出，演员一般即穿伊丽莎白时期的生活服装上台。17世纪宫廷舞台的戏剧从服装到布景都在争奇斗艳，以炫耀为目的。意大利的假面喜剧（即兴喜剧）则又别具一格，定型化角色必须戴假面具穿上特制的定型化服装上台，以便观众识别。18世纪欧洲舞台上出现了一股考古风，为了追求历史真实，加强真实感，服装上添加了若干有历史特征的饰物，法兰西喜剧院演员塔尔马更带头穿着仿古罗马服装演出。后来考古风愈演愈甚，致使舞台服装竟按博物馆中实物仿制，直至进入20世纪前后法国 A.安托万导演的《群鬼》与俄国斯坦尼斯拉夫斯基导演的《夜店》才扭转局面。
1890年后象征主义、表现主义、构成主义、未来主义等现代流派戏剧相继出现于欧洲剧坛，曾一度风行的自然主义戏剧剧作受到了挑战和排斥。在现代派的戏剧演出中，包括莎士比亚剧作在内的古典名剧，舞台服装也都变得抽象化、怪诞化，设计者的主观因素明显加强，从而行成一股强有力的冲击力。1928年起，英国导演B.杰克逊使用现代服装演出《麦克白》引起轰动，随之出现了以日本歌舞服装演出的《罗密欧与朱丽叶》和以阿拉伯服饰演出的《第十二夜》。
20世纪30年代以来，西方戏剧观及舞台美术的设计思想经历了很大变化。写实主义与非写实主义戏剧在服装设计领域里都开创了各自的广阔天地，形成多样化的格局。
传统的中国戏曲服装的特点在于它的装饰性、夸张性与可舞性，而且角色的行当化和服装的程式化关系密切。20世纪20年代，在西方戏剧的影响下，中国话剧服装才完全摆脱了程式化影响进入生活化阶段。20世纪40年代，在话剧《升官图》中丁聪设计的服装成功地作出了漫画式的处理。
中华人民共和国成立后，全国3000多个剧团中，多数已有了自己的服装设计和制作力量。从50年代起，郁风设计的《荷花舞》服装、张正宇设计的《屈原》服装、鄢修民为《蔡文姬》、《虎符》设计的服装以及关哉生的《茶馆》服装都达到较高水平。李克瑜为《天鹅湖》、京剧《奥赛罗》设计的服装，穆弋清为《宝莲灯》设计的服装和李恩为舞剧《风鸣岐山》设计的服装都曾获得好评。1985年在中国举行的莎士比亚戏剧节中曾以中国的传统戏曲服饰演出莎剧《李尔王》与《第十二夜》，也获得广大观众认可。而在其他的话剧演出中也曾出现过不表现时代感与地方性的“中性服装”。
舞台服装设计的原意是指“针对一个特定的目标，在计划的过程中求得一种问题的解决和策略，进而满足人们的某种需求”。舞台服装设计所涉及的范围十分广泛，包括社会规划、理论模型、产品设计和工程组织方案的制定等等。当然，舞台服装设计的目标体现了人类文化演进的机制，是创造审美的重要手段。
舞台服装设计同时具有“事实要素”和“价值要素”。前者说明事态的状况，后者则用理论和审美的命题来进行表述，即是“好坏和美丑”。
不同类型的舞台服装设计侧重的思维类型往往有所差异。例如，在工程设计中更重视理性分析，而在产品造型设计和工业设计则重视整体的过程，需要运用形象思维的因素，在舞台服装设计方面则更注重“美感”，等等。
舞台服装设计的任务不仅仅的满足个人需求，它同时需要兼顾社会的、经济的、技术的、情感的、审美的需要。由于这些众多的需要中本身存在一定的矛盾，所以舞台服装设计任务本身就包括各种需要之间的协调和对立关系。现代的舞台服装设计理念在更新中，同样要遵循舞台服装设计的规范，要考虑这众多的“需要”。
不同的时代不同的地区具有不同的塑造舞台形象手法，但总括起来舞台服装应符合下列要求：
①帮助演员塑造角色形象；
②有利于演员的表演和活动；
③设计应力求与全剧的演出风格统一；
④应能满足广大观众的审美要求。
舞台服装设计是物质生产和文化创造的首要环节。它总是以一定的文化形态为中介。例如，运用大致相同的建制材料进行建筑工程的舞台服装设计，不同的社会文化会诞生不同的建筑形式；运用相似的舞台服装设计构思，不同的社会规范也会产生完全不同的舞台服装设计风格。
舞台服装色彩虽然要以色彩学的基本原理为基础，然而，它毕竟不是纯粹的造型艺术作品，舞台服装色彩与美术作品的色彩也有明显的区别，舞台服装色彩有其特殊性。
1.色彩首先要以人的形象为依据。因此，舞台服装色彩设计必须“因人而异”、因款式而异。
2.各种舞台服装是依附于面料上的，随着面料做成的舞台服装穿着于人体上以后，舞台服装色彩就从平面状态变成了立体状态。因此，进行色彩设计时，不仅要考虑色彩的平面效果，更应从立体的效果，考虑穿着以后两侧及背面的色彩处理，并注意每个角度的视觉平衡。
3.舞台服装是流动的绘画，会随着人体的活动进入各种场所。所以与环境色的协调也是舞台服装色彩设计必须注意的。
4.在一套舞台服装的色彩设计中，色彩不宜过多，除印花面料的颜色以外，一般不要超过三种颜色，最多不要超过四五种颜色。
5.舞台服装的色彩设计中，不仅要具有艺术性，还要考虑其实用性。例如：各个行业的制服颜色不一样，医务人员一般使用白色或淡蓝色等等。
6.舞台服装色彩不仅要注意其个性，也要照顾其共性，即流行性，流行的东西是大众的东西，这样才能更好地体现舞台服装的经济价值和社会意义。